L'UE découvre que les artistes ont eux aussi besoin de droits
Trois artistes expliquent ce qu'il faut pour continuer à créer, alors que Bruxelles prépare une nouvelle Charte des artistes
L’Europe sait apprécier l’art dès lors qu’il a survécu suffisamment longtemps.
Elle restaure les fresques et appose des plaques commémoratives sur les sites historiques. Il suffit de parler de patrimoine pour qu’apparaisse soudain tout un vocabulaire dédié à sa préservation.
La semaine dernière, les Journées européennes du patrimoine ont débuté à travers le continent sous le thème « Patrimoine en péril : raviver, résister, réimaginer ».
Les artistes vivants, en revanche, relèvent d’une catégorie moins bien définie. Ce n’est pas parce que l’Europe ne finance pas la culture. Elle le fait.
Mais le problème le plus intéressant commence là où s’achève la demande de financement. Qui finance la période entre un projet et la subvention suivante ?
Très souvent, c’est l’artiste. Et la Commission européenne a décidé que cette question mérite une attention particulière. En 2027, elle prévoit de proposer une Charte européenne des artistes, axée sur les conditions de travail des artistes et des professionnels de la culture.
Les artistes connaissent déjà très bien le langage du soutien culturel : postuler, soumettre, attendre, espérer. Puis espérer encore.
Une charte définit ce à quoi les artistes peuvent raisonnablement s’attendre, qu’ils obtiennent ou non une subvention.
Alors que les travaux sont en cours, Glenn Micallef, commissaire européen à la culture, a déclaré à Euractiv : « Les artistes et les professionnels de la culture font vivre notre société […] La Charte des artistes reflète notre engagement, dans le cadre de la Boussole culturelle pour l’Europe, à établir un repère européen plus clair quant à ce que devraient être des conditions équitables. »
Aussi vieux que le monde
Le premier investisseur dans une œuvre d’art est souvent l’autre emploi de l’artiste.
Nora Nadjarian, une autrice chypriote, écrit de la poésie en grec et en anglais. Elle enseigne également. « J’aimerais pouvoir dire que je suis écrivaine à temps plein », a-t-elle déclaré. « Malheureusement, je ne le suis pas. »
Le cliché sur la création artistique veut que la précarité soit source d’inspiration. Nadjarian a une vision moins poétique de la chose. « Si vous essayez de vivre de votre poésie et que vous occupez un emploi à temps plein, vous devez acheter du temps », a-t-elle expliqué. « Et pour acheter du temps, il faut de l’argent. »
C’est un renversement de perspective utile. L’argent achète les heures pendant lesquelles l’art peut exister. Il s’avère que la muse a des frais généraux.
L’artiste plasticienne et cinéaste française Anne Horel a procédé à une version différente de ce même achat. Son travail se nourrit de collages issus de la culture d’Internet : mèmes, GIF, débris numériques et intelligence artificielle. Sa carrière, à l’image de son travail, n’a pas non plus été linéaire.
« Une carrière se construit au fil du temps », a-t-elle déclaré. « Elle se construit aussi sur de la chance. C’est tellement aléatoire. »
« J’ai longtemps vécu dans la pauvreté », a-t-elle ajouté. « Mais cela ne m’a pas arrêtée. J’y ai mis toute mon énergie. Ce n’était pas un choix facile. »
Il est vrai que les artistes choisissent des carrières où l’incertitude est difficile à éviter. Mais ils font également ce choix dans un contexte économique qui leur demande souvent de financer eux-mêmes leurs propres expériences jusqu’à ce que quelqu’un d’autre décide qu’elles méritent d’être rémunérées.
[Crédit : Anne Horel]
Mais de plus près, il y a des plis que le public ne voit jamais : les factures et les frais d’encadrement, les demandes de financement rejetées, les journées d’enseignement et les missions commerciales.
« J’ai vu beaucoup d’artistes dire récemment : “Je n’ai plus les moyens d’être artiste, alors j’ai trouvé un autre emploi.” » Haser enseigne elle-même dans des écoles et s’essaie à la céramique pour « élargir son public ».
C’est une curiosité artistique, mais aussi une adaptation économique. « C’est peut-être la seule façon pour moi de rester à flot », a-t-elle indiqué.
Horel se souvient s’être demandé s’il était judicieux de continuer. « Et si j’arrêtais ? »
Puis vint la réponse : « Je ne peux pas. »
Il y a toujours une file d’attente
Cela ne signifie pas pour autant que le financement public ait échoué. Mais le soutien organisé par le biais de concours a une limite inhérente.
« Les places sont très limitées, et la concurrence est rude », explique Horel. Elle et une amie ont inventé une phrase qui fait presque office de correctif : « Mon succès est ton succès. »
Cela semble généreux, car une grande partie de la vie artistique s’articule autour de la rareté. L’art leur demande d’être singuliers. Le financement leur demande de rentrer dans le moule.
Et les subventions, à elles seules, ne peuvent pas constituer un marché du travail. Nadjarian, par exemple, s’est demandé si le soutien parvient toujours à ceux qui en ont le plus besoin. « Nous devons examiner plus attentivement qui en a véritablement besoin. »
[Crédit : Alma Haser]
« Je partage les préoccupations de nombreux artistes et travailleurs des secteurs culturels et créatifs concernant les défis auxquels ils sont confrontés en matière de conditions de vie et de travail », a déclaré Micaleff.
La Commission décrit cela comme un ensemble de principes et d’engagements.
C’est une approche plus modérée que ce que le Parlement européen avait réclamé en 2023, lorsqu’il avait demandé un cadre européen qui comprenait une directive sur des conditions de travail décentes pour les travailleurs des secteurs culturels et créatifs.
Domènec Ruiz Devesa, ancien député européen à l’origine de l’initiative et aujourd’hui chercheur senior au CIDOB, a déclaré à Euractiv : « Il est positif que la Commission prenne au sérieux l’appel du Parlement en faveur de l’amélioration des conditions de travail des artistes. »
Il est également important « de bien faire les choses », a ajouté Devesa. « Je continue de plaider en faveur de mesures contraignantes, mais on peut aussi obtenir beaucoup par d’autres moyens – comme la Charte. »
Micallef a souligné que « la Charte sera rédigée en collaboration avec les artistes, les professionnels de la culture et le secteur […] afin de réaliser de réels progrès ».
Alors, est-ce suffisant ?
La Charte « constitue une étape importante, mais les droits sur le papier ne suffisent pas, même lorsqu’ils sont inscrits dans la législation européenne », a affirmé Ibán García del Blanco, autre ancien député européen et secrétaire général de l’AEPO-ARTIS, une organisation à but non lucratif qui représente 41 sociétés de gestion collective d’artistes interprètes européennes.
« La directive de 2019 sur le droit d’auteur dans le marché unique numérique a déjà accordé des droits importants aux artistes-interprètes, mais le rapport Streams and Dreams et la récente étude d’envergure de l’AEPO-ARTIS intitulée Acting Fairly ? montrent que, dans la pratique, peu de choses ont changé pour de nombreux artistes-interprètes », a-t-il ajouté.
En d’autres termes, une charte se contentant de déclarer que les artistes méritent un traitement équitable ne ferait que réaffirmer ce que l’Europe sait déjà.
« Le pouvoir économique est fondamental », a déclaré García del Blanco . « La directive a bel et bien établi un droit à une rémunération appropriée et proportionnée. Mais dans la pratique, elle a échoué, en grande partie parce que les pays de l’UE n’ont pas mis en place les mécanismes nécessaires pour la garantir. »
Néanmoins, « reconnaître publiquement les droits des artistes et des travailleurs culturels et établir des principes clairs pour leur traitement équitable est important en soi. »
(bw, vc)
